Ce travail de thèse cherche à s’interroger sur la pratique du pianiste soliste, interprète de la musique dite « pure » ou absolue. Nous nous appuyons pour cela sur plusieurs réflexions ...psychanalytiques à propos de la musique. En psychanalyse, la musique vocale ou instrumentale est abordée à partir de l’objet de la « pulsion invocante » qu’est la voix. Nous concevons la « voix instrumentale » produite par le pianiste et son instrument comme étant une prothèse de la voix chantée humaine. Nous nous appuyons également sur la notion d’« humain augmenté », apparue dans les années 1990, pour faire l’hypothèse que la musique pour piano est une voix augmentée. L’objectif du pianiste est de pouvoir s’exprimer à travers ce que nous avons nommé la « voix prothétique augmentée ». Pour s’exprimer à travers cette « voix prothétique augmentée », le pianiste doit d’abord faire transcender son propre corps, car le support de cette voix est ses gestes corporels.
This thesis seeks to question the practice of a piano soloist – the interpreter of so-called “pure” or absolute music – drawing on several psychoanalytical reflections about music. In psychoanalysis, vocal or instrumental music is approached from the object of the “invocative impulse” – the voice. We perceive the “instrumental voice”, produced by the pianist and his or her instrument, as being a prosthesis of the singing human voice. We also draw on the notion of the “augmented human”, which first appeared in the 1990s, to form the hypothesis that music for piano is itself an augmented voice. The objective of the pianist is to be able to express him or herself through what we have termed the “prosthetic augmented voice”. To express him or herself through this “prosthetic augmented voice”, the pianist has to, first of all, transcend his or her own body. This is because the support of this voice is in fact his or her own body gestures.
Ce travail est une étude sur le style et les références présentes dans l’œuvre pour piano solo de Nikos Skalkottas (1904-1949). Il (ré)intègre pour la première fois le compositeur dans le milieu des ...pianistes qu’il a connu pendant ses années berlinoises (1921-1933), en inscrivant l’œuvre dans son contexte et l’ensemble des références auxquelles elle renvoie. Une méthodologie analytique émerge de ces mises en relation, destinée à faciliter le travail de l’interprète et à révéler les composantes stylistiques du corpus. Une importance particulière est portée sur le raffinement du timbre des pianistes berlinois dans l’entre-deux-guerres, mis en valeur par le « son coloré » des Bechstein historiques. Cette observation devient le point de départ d’une série d’analyses graphiques, montrant le rôle de la texture et du timbre en tant qu’éléments compositionnels chez Skalkottas. Les analyses, destinées à être utilisées par les interprètes, dévoilent une interaction de la texture avec le schéma formel. Elles sont complétées par l’étude des pièces, groupées par pôles de référence pour l’ensemble du corpus. Ces références s’étendent de la musique baroque et de Beethoven au jazz dansant et à la musique légère, tout en incluant des éléments provenant de la musique grecque. Les deux approches choisies s’appuient sur des sources mises pour la première fois au service de ce répertoire et s’avèrent complémentaires. Elles ont comme but d’offrir aux pianistes des clés pour son interprétation, de le rendre plus accessible et de faciliter sa propagation.
This thesis is a research into the style and influences on the solo piano works of Nikos Skalkottas (1904-1949). For the first time the composer is considered in relation to the pianistic milieu he was acquainted with during his Berlin years (1921-1933) and his oeuvre is examined in the light of its various references. A specific analytical methodology emerges from these influences, aiming at facilitating the performer’s work and revealing the stylistic components of the pieces. The refinement of the timbre in the playing of Berlin pianists in the interwar years, enhanced by the “coloured sound” of the Bechstein historical pianos, acquires a special importance. It leads to a series of analyses and graphs, showing the role of texture and timbre as compositional elements in Skalkottas’s piano music. The graphs, meant for the use of pianists, reveal an interaction between texture and form. This is complemented by the study of the piano pieces grouped according to their references; they extend from baroque music and Beethoven to dance jazz, light music, and Greek music elements. Both approaches can be justified from the study of primary sources, used for the first time in relation to this repertoire, and are complementary. By offering pianists new tools for its interpretation, the aim is to facilitate the access to this music and help its further promotion.
Si l’on associe parfois la pratique de l’improvisation libre à un art de la rencontre éphémère et singulière, il n’en demeure pas moins qu’une grande partie des productions rattachées au monde des ...musiques improvisées est le fait de groupes d’improvisation constitués, parfois avec une très longue histoire commune. À travers l’examen détaillé de la collaboration musicale entre la pianiste Ève Risser et le clarinettiste Joris Rühl, le présent article se propose donc d’éclairer les dynamiques créatives spécifiques que revêt le travail collectif de l’improvisation, dès lors que celui-ci s’inscrit dans la longue durée, en mettant au jour la manière dont la question de l’identité collective, en tant qu’elle constitue à la fois une condition de possibilité et un obstacle à l’improvisation, se trouve placée au carrefour des multiples négociations qui peuplent l’espace de la répétition.
While free improvisation is often thought of as a forum for singular and short-lived musical encounters, long-lasting groups and collaborations that span many years are not uncommon in the world of free improvisation. By studying the case of a duo of improvisers composed of the pianist Ève Risser and the clarinetist Joris Rühl, this paper sheds light upon the creative dynamics of such a long-term collaboration by specifying how musicians negotiate between the need to construct a shared and stable collective identity, on the one hand, and, on the other hand, the requirements of improvisation understood as spontaneous action.
Jaz și extaz Radu Ciobanu; Radu Ciobanu (bibliotecar) [redactor/compiler] Web Resource
Odprti dostop
Cronică de eveniment. Referire la pianistul Harry Tavitian și la un dublul concert susținut la Salina din Târgu Ocna și la Bacău, în cadrul unei manifestări organizate de comunitatea arneană, 9 iulie ...2011.
Le but de ce travail est d'étudier l'art d'interpréter de plusieurs générations de pianistes dont la formation remonte au XIXe siècle, mais dont l'activité s'est étendue jusqu'à la 1re moitié du XXe ...siècle. L'essor de l'interprétation qui marqua cette époque a prodigué des artistes qui - à la suite de leurs grands maîtres (Chopin, Liszt, A. Rubinstein) - ont déjà laissé un nombre considérable d'enregistrements permettant de saisir à travers leur jeu une image authentique de l’œuvre romantique. En nous référant à l'idée que l'essor du pianisme à la charnière des XIXe - XXe siècles provient de l'expansion remarquable de l'art d'interpréter au XIXe siècle, nous avançons l'hypothèse selon laquelle c'est précisément dans les positions esthétiques et dans la vision du monde propre à cette époque qu'il faut chercher les sources d'un tel essor. Parmi les caractéristiques importantes de la manière d'interpréter des pianistes de la 2e moitié du XIXe siècle, entrent d'abord en jeu la faculté de penser imagée, la liberté et une manière d'improviser en modifiant les textes des œuvres exécutées. Ces données se combinent d'ailleurs avec d'autres, comme l'intellectualisme. Les analyses de certaines particularités de style, des manières de jouer, typiques du XIXe siècle (comme le rubato, le « pointillisme etc.), nous révèlent ainsi ce que fut la réelle pensée polyphonique du Romantisme. Il ne s'agit pas de la seule écriture polyphonique, mais d'un principe polyphonique au sens plus large, s'exprimant à travers le style d'interpréter qui, à son tour, définit la perception spatio-temporelle spécifique de ces quelques décennies.
The aim of this work is to study the performing art of several generations of pianists who were trained in the 19th Century but who extended their artistic activity throught the 1st half of the 20th Century. The rise of the art of interpretation which marked this period gave the artistes who - following their great masters - have left a considerable number of records where their plaiyng conjures up an image of the romantic composition that may be more authentic, though it is quite different from that of today.Based on the idea that the rise of the pianism at the turn of the 20th Century comes largely from the remarkable expansion of the 19th Century performing arts, we hypothesize that it is precisely in the aesthetic positions and the vision of the world inherent in the Romantic era that we should look for the sources of such a rise. Chief among the important features of the style of interpretation of the pianists of the 2nd half of the 19th Century, was their creative thinking, but also the surprising freedom they enjoyed to improvise and modify compositions. Other features include the intellectualism of their approach to the performed composition. Analyses of certain peculiarities of style, of the ways of playing typical of the 19th Century (such as rubato, the « pointillism » etc.) reveal the real polyphonic thougth of the Romantic era. This is not only the polyphonic writing itself, but a polyphonic principle in a broader sense, manifesting itself through the style of interpretation which, in turn, defines the specific spatio-temporal perception of these several decades.
Élève de Dubois et d'Alexandre Guilmant, proche de Saint-Saëns, qui lui prodigua ses conseils, Fernand de La Tombelle mena une double carrière de compositeur et d'interprète virtuose, aussi bien en ...tant que pianiste qu'organiste. Doté d'un tempérament sans prétention révolutionnaire, mais bien trempé et farouchement indépendant, La Tombelle constitue une figure intéressante à plus d'un titre dont le présent article dresse le portrait à partir de documents en grande partie inédits. S'il fut amené à côtoyer des artistes dont la postérité a davantage retenu le nom, comme Grieg, Gounod, d'Indy ou Massenet dont il fut très proche, il laisse une oeuvre considérable, protéiforme, stylistiquement éclectique, voire atypique, qui mérite d'être reconsidérée non seulement pour ses propres mérites, mais aussi parce qu'elle illustre une forme d'activité sociale et artistique en France au tournant des XIXe et XXe siècles. Son catalogue, qui embrasse tous les genres (mélodies, musique de chambre, pièces d'orgue, oeuvres chorales religieuses ou profanes, pages orchestrales ou pianistique, musiques de scène accompagnées ou non de fantaisies lumineuses, etc.), se complète en effet de photographies, dessins, peintures, écrits — théoriques ou littéraires — et d'ouvrages touchant à l'astronomie ou à l'art culinaire notamment. L'ensemble constitue en définitive le fruit du travail d'un artiste doué et possédant une culture générale remarquable, digne d'un honnête homme qui oeuvra aussi beaucoup en faveur de l'éducation musicale des milieux populaires, notamment du Périgord dont il était originaire et où il se retira après la première guerre mondiale, fuyant sans doute une société qu'il ne comprenait plus. A student of Théodore Dubois and Alexandre Guilmant, and a friend of Saint-Saëns, who advised him, Fernand de La Tombelle had a dual career as composer and virtuoso pianist and organist. No revolutionary, yet strong-willed and fiercely independent by temperament, La Tombelle is an endearing and interesting figure in several respects, which the present article will discuss on the basis of largely unpublished documents. While he had contacts with musicians consecrated by posterity, such as Grieg, Gounod, d'Indy, and Massenet, to whom he was very close, he left a large body of work in many genres, stylistically eclectic and atypical, which deserves to be reevaluated not only because of its intrinsic ment, but abo because it is richly illustrative of a particular form of social and artistic activity in fin-de-siècle France. In addition to his musical work, in which all genres are represented (songs, chamber music, works for organ, religious and secular choral works, orchestral and piano music, and incidental music sometimes accompanied by special lighting effects), his archive includes photographs, drawings, paintings, writings—both theoretical and literary—and works relating in particular to astronomy and gastronomy. All of this ultimately constitutes the oeuvre of a gifted and remarkably cultivated artist, a Renaissance man, who also devoted much effort to the musical education of the lower classes, especially in his native Périgord, to which he retired after World War I, no doubt fleeing a society he no longer understood.
Cette thèse permet de mettre en lumière divers aspects de l’interprétation pianistique contemporaine. Pour cela, trois concours internationaux ont été choisis – Chopin de Varsovie, Long-Thibaud de ...Paris et Tchaïkovski de Moscou – de façon à exposer au mieux, à travers des épreuves de ce genre, la situation de l’art pianistique à une échelle mondiale sous des rapports divers : social et historique en relation avec chacune de ces compétitions, technique dans la chaîne compositeur-interprète-auditeur, et artistique sur la base de l’étude des interprétations des finalistes durant la période 1985-2010, sans oublier les enjeux de l’évaluation dans ce cadre.L’analyse générale de la situation actuelle a mis en évidence l’utilité de ces concours dans la vie musicale contemporaine. Si les valeurs esthétiques du monde actuel ne stimulent pas réellement la formation de personnalités d’une grande force et d’une réelle profondeur, un certain nombre de signes positifs semblent toutefois se dégager de ces manifestations.
The scientific work reveals various aspects of contemporary piano performance. Three international piano competitions were chosen – Chopin in Warsaw, Long-Thibaud in Paris and Tchaikovsky in Moscow – because it is through events like these ones that is exposed to its best the situation of pianistic art on a global scale. Given the complexity of our questions, we have shared our research in several areas: social and historical related to each analyzed musical competition, technical according to the chain composer-performer-listener, and artistic based on the study of interpretations of the finalists during the period 1985-2010, preceded by issues evaluation in this context.The general analysis of the current situation has highlighted the need of these competitions in contemporary musical life. If the aesthetic values of the modern world do not actually stimulate the formation of deep and strong personalities, a number of positive signs, however, seem to emerge from these events.
